El lado oscuro de 007: “GOLDENEYE”, de MARTIN CAMPBELL

A pesar de que Goldeneye (ídem, 1995) no me parece uno de los mejores films de la serie del agente secreto James Bond 007 (tampoco de los peores), hay determinados aspectos parciales en él que a nivel particular siempre me han llamado la atención. Pero antes de entrar en el mismo debemos hacer una pequeña pero necesaria introducción. Goldeneye es la primera de las cuatro películas Bond protagonizadas por el irlandés Pierce Brosnan. Fue producida seis años después de la última entrega de la saga, la interesante 007: Licencia para matar (Licence to Kill, 1989, John Glen), como consecuencia de su escaso éxito comercial, sobre todo en los Estados Unidos (un fracaso que en muchas ocasiones ha sido exagerado más de la cuenta, habida cuenta que, si bien solo recaudó 34 millones de dólares en cines norteamericanos sobre un presupuesto estimado en 32 millones, su recaudación a nivel internacional fue de más de 156 millones). Su título está sacado del nombre real de la vivienda que el padre literario de Bond, Ian Fleming, tenía en Jamaica junto al mar. Y supuso una renovación de parte del equipo original de la saga: nueva productora, Barbara Broccoli, tras la retirada del cine de su padre, Albert R. Broccoli, uno de los productores originales de la franquicia junto a Harry Saltzman; nuevos guionistas, en este caso Michael France, Jeffrey Caine y Bruce Feirstein, quienes se incorporaron a la misma para reemplazar a veteranos ya fallecidos como Richard Maibaum; y Daniel Kleinman, que  se hizo cargo de diseñar los nuevos títulos de crédito, sustituyendo al también desaparecido Maurice Binder.

Dicho esto, señalemos que en Goldeneye conviven muchos de los elementos tradicionales de la serie Bond junto con unos tímidos, pero atractivos, apuntes renovadores, por más que los primeros predominen en todo momento sobre los segundos. Pierce Brosnan aporta a 007 una dureza, sequedad y contundencia superiores a las de Roger Moore, estando por tanto más en la línea de Sean Connery, el posterior Daniel Craig, el excelente y menospreciado Timothy Dalton e incluso de George Lazenby, pero todavía conserva algunos rasgos de humor, escasos, para caracterizar determinadas acciones del personaje (en particular, algunas frases de diálogo con doble sentido y alusiones sexuales, o la inevitable presentación del agente secreto: “Me llamo Bond. James Bond”). Hay que tener en cuenta que las películas de Bond son muy caras y sus productores en esa época todavía no se atrevían a aumentar en exceso las dosis de violencia de cara a no perder público infantil y juvenil, necesario para amortizar en taquilla la inversión realizada, por más que en Goldeneye haya un ligero y relativo incremento de la violencia respecto a las etapas Moore y Dalton (con la salvedad de 007: Licencia para matar, el Bond más violento de la serie hasta la llegada de la “etapa Craig”). Se mantienen muchas de las convenciones habituales de la saga, sobre todo en lo que se refiere a su patrón narrativo tradicional: una primera gran secuencia de acción antes de los títulos de crédito (Bond y su colega el agente secreto 006 Alec Trevelyan –Sean Bean– saboteando una factoría soviética de armas químicas, que culmina con una acrobática fuga aérea de 007 a bordo de una avioneta); un tema musical durante esos mismos títulos de crédito, “Goldeneye”, compuesto por dos miembros de U2, Bono y The Edge, e interpretado por Tina Turner, cuya sonoridad recuerda otras canciones de la serie; y secuencias de acción progresivamente más aparatosas, jalonando los digamos momentos de “investigación” llevados a cabo por Bond mientras realiza sus pesquisas, hasta llegar a un inevitable clímax que suele concluir con la pelea final cuerpo a cuerpo entre 007 el villano y la explosiva destrucción de su guarida y de sus megalómanos planes.

Más que en el diseño general de la trama, su desarrollo y su culminación, que obedecen al patrón habitual de la serie, lo mejor de Goldeneye se encuentra, a mi entender, en determinados detalles. Los personajes del entorno de Bond están bastante logrados, en gran medida porque corren a cargo de unos muy competentes intérpretes. Los villanos tienen solidez gracias a la eficaz labor del veterano actor alemán Gottfried John, como el renegado general ruso Ourumov; de Alan Cumming, como el traidor experto en ordenadores Boris Grishenko; y, sobre todo, del siempre excelente Sean Bean, quien confiere una inesperada humanidad a su rol de exagente secreto británico de ascendencia rusa que solo sueña con vengarse de Inglaterra, la nación que masacró en el pasado a su pueblo, los sanguinarios cosacos blancos. Resulta obligatorio anotar la incorporación a la serie, a partir de Goldeneye, de la gran Judi Dench en el papel de M, la jefa de Bond. Y las chicas Bond también funcionan muy bien: la “chica Bond buena”, Natalya Simonova, a cargo de la bella y competente actriz polaca Izabella Scorupco, y sobre todo la “chica Bond mala”, la letal y masoquista Xenia Onatopp, interpretada con enorme sentido del humor por la estupenda y subvalorada intérprete holandesa Famke Janssen (quien tiene a su cargo una escena realmente divertida: aquélla en la que, tras descubrir junto a Trevelyan que Bond ha bloqueado con un tanque la vía férrea por la que circula el tren blindado en el que están huyendo, y ante la perspectiva de acaso morir entre hierros retorcidos, exclama con entusiasmo: “¡Nos va a hacer descarrilar!”).

Pero, por encima de todo ello, lo que resulta más interesante es cierta voluntad presente en Goldeneye, todavía incipiente pero que tendría su continuidad en uno de los mejores Bond de Brosnan, concretamente el tercero, El mundo nunca es suficiente (The World Is Not Enough, 1999, Michael Apted), y que alcanzaría su culminación en el primero de Craig, 007: Casino Royale (Casino Royale, 2006, Martin Campbell), de mostrar el lado más oscuro y turbulento del personaje. En su primera conversación con M en el despacho de esta última, su nueva jefa le tacha de reliquia del pasado, machista y misógino: un producto de la Guerra Fría que no tiene ya sentido en el mundo actual (algo que todavía se llevaría más lejos en el último y mejor 007 de Brosnan, Muere otro día [Die Another Day, 2002, Lee Tamahori], donde se jugaba a fondo con el carácter anacrónico del personaje). En otro momento, uno de los mejores del film, Bond se reencuentra con Trevelyan, al que creía muerto, en un escenario formado no por casualidad por viejas estatuas y monumentos del extinto régimen comunista de la Unión Soviética arrojados a un vertedero, insinuando de este modo que 007 es, asimismo, otro vestigio de un pasado obsoleto. Luego, durante el “obligado” paréntesis romántico de Bond con Natalya, la chica le reprocha que sea tan frío; “Por eso sigo vivo”, afirma él; “Por eso sigues solo…”, replica ella. Más adelante, Trevelyan le insinúa a Bond que quizá los famosos vodkas con Martini que tanto le gusta beber sean para acallar los gritos de los hombres que ha matado en el pasado… Puede que sea poco, pero proporciona a Goldeneye cierta personalidad en el conjunto de la serie. Y también puede que sea casualidad, pero el hecho de que este film esté firmado por Martin Campbell, quien asimismo se encuentra tras las cámaras de la película de la serie que se lanzaría a fondo a bucear en el lado oscuro del personaje, 007: Casino Royale, permite aseverar que podría ser considerado, dentro de los márgenes de producción preestablecidos de la saga, y a falta de ver Sin tiempo para morir (No Time To Die, 2021, Cary Joji Fukunaga) en el momento de escribir estas líneas, el realizador que hasta la fecha ha llevado a cabo los mayores esfuerzos de cara a la renovación del personaje creado por Ian Fleming.